Entrevista a Sandra Brizuela y Natalia Rosminati

Por la Comisión de Artes Audiovisuales del CPTCBA

El II Encuentro Argentino de Traducción Audiovisual contará con la presencia de dos expertas en doblaje de series infantiles, tanto desde el punto de vista de la traducción como de la adaptación y el doblaje en sí.
Sandra Brizuela es traductora, adaptadora y letrista argentina y una gran amante de las lenguas en general, sobre todo del español y el inglés. Es traductora literaria y técnico-científica, recibida en el Instituto Nacional de Enseñanza Superior en Lenguas Vivas “Juan Ramón Fernández”. Trabaja en traducción y adaptación para doblaje desde hace más de 20 años y es letrista especializada en canciones y poemas. Es entrenadora de traductores para doblaje desde hace más de 10 años.
Desde hace una década trabaja en Media Pro Com como coordinadora de traducción y adaptación. Participó en infinitos proyectos de doblaje para TV, cine y eventos nacionales e internacionales y es especialista en series infantiles y juveniles para Disney, Encuentro y clientes internacionales de distintas procedencias.

Natalia Rosminati es actriz y locutora, especialista en doblaje desde hace más de 12 años. Participó en innumerables proyectos para TV, radio, cine y teatro para señales nacionales e internacionales muy prestigiosas, como Disney Channel, Nickelodeon, Cartoon Network, Sony, Fox, entre otras. Por su capacidad de caracterizar personajes con su voz, es muy requerida para numerosos contenidos infantiles.
Formó parte del elenco de “Metegol”, largometraje animado para cine dirigido por Juan José Campanella.
También es la voz de reconocidas marcas para comerciales y es la voz institucional de señales de TV como MTV y Vh1 para México, y las emisoras Vorterix en nuestro país y Rock&Pop en Panamá.
Además ha incursionado en la dirección de voces para proyectos de animación y brinda cursos de doblaje y castellano neutro para profesionales y artistas.

Desde la Comisión de Artes Audiovisuales tuvimos el gusto de poder conversar con ellas antes de su presentación en el II Encuentro TAV y acá les dejamos la entrevista, muy entretenida, por cierto, que nos brindaron.

¿Qué particularidades tiene trabajar con material para doblaje infantil que no se encuentran en otro tipo de material?
S: Creo que la diferencia yace en el tipo y la complejidad de lenguaje que se va a utilizar, tiene que ser simple y moderno, pero a su vez, ¡neutro! Hazañas, hazañas…
N: ¡El material infantil es el que más me divierte! En general es cuando el actor puede jugar más con su voz y caracterizar personajes. Es el momento de distención del trabajo, no hay tantas reglas y despierta nuestro costado más lúdico. Y en el caso de los dibujos animados, podemos hacer producción original, donde se graban primero las voces y luego se anima, lo que da más libertad y creatividad a la actuación.

¿Cuáles son los mayores desafíos al momento de traducir/doblar para un público infantil?
S: Creo que entre los tantos desafíos podemos hablar de lograr transmitir un mensaje y saber que eso está educándolos.
N: El desafío reside, sobre todo, en los dibujos animados, donde hay que inventar voces nuevas y pensar una personalidad desde la voz y sostenerla hasta el final. La mayoría tiene canciones, lo que exige ser idóneo en este arte.

¿Fue necesario realizar alguna capacitación especial para cumplir con los requisitos que implica trabajar con un producto para niños y adolescentes?
S: En realidad, en el momento en que yo comencé a hacer el trabajo hace más de 15 años, no sabía si había cursos de capacitación; había que salir a la cancha –aprovecho el momento del mundial para mi comparación– sin técnico ni entrenadores. Hoy yo entreno y guío a los traductores para sacar lo mejor de cada uno.
N: Para realizar doblaje es necesario saber actuar y tener mucha ductilidad para componer distintos personajes, lo que da por resultado diferentes voces. Y por sobre todas las cosas, hay algo que no se aprende y que algunos ya lo tienen consigo y a lo que otros se acercan a través de la práctica y el estudio: el talento natural.
Muchos comenzaron siendo locutores y luego se metieron en el mundo de la actuación para poder soltarse más. Y otros hicieron el proceso inverso, comenzaron desde la actuación y luego perfeccionaron con foniatría su articulación, manejo de la respiración y de la voz. Pero lo más importante es amar lo que uno hace, y la pasión te lleva a tus objetivos.

¿Qué es lo más complejo de todo el proceso de traducción y adaptación?
S: Creo que lo más complejo es lograr una adaptación que «traicione» lo menos posible el texto original.
N: En lo que se refiere a la adaptación, lo más complejo es encontrar la sincronización labial sin perder el sentido de lo que se está diciendo y manteniendo la coherencia del género del material. Se puede encontrar mayor dificultad cuando el idioma original no es el inglés. Puede ser alemán, francés o japonés, y tienen movimientos de boca muy distintos a los nuestros y a los que igualmente debemos hacer coincidir en la sincronización. Por ejemplo, el coreano, que tiene muchas palabras abiertas, casi sin labiales.

¿Recuerdan alguna traducción o adaptación que les haya resultado difícil de resolver? ¿Cómo lo resolvieron?
S: Lo más complicado a la hora de traducir y adaptar son los juegos de palabras, las canciones (sobre todo cuando tienen imágenes específicas) y las rimas. En mi experiencia, siempre trato de recurrir al pensamiento lateral para resolver la mayoría de esas cuestiones.

¿Cuál es el personaje con el que más les gustó trabajar? (Traducir o adaptar)
S: La verdad es que hay muchos personajes para disfrutar, hay guionistas exquisitos y adaptarlos es un gran honor y también una gran responsabilidad. Dos que recuerdo con especial cariño y humor ácido son Waldorf y Statler, los viejitos del palco del Show de los Muppets (redoblaje de la serie de los años 70). Fue un desafío fabuloso casi en cada frase, con remates cortos, verdaderas hazañas de adaptación.
N: ¡Yo amo a la Doctora Juguetes! Justo en breve estamos por terminar de grabar la segunda temporada y es probable que se venga una tercera. ¡Shhh!
Me encanta el guion, las canciones, los dibujos y, sobre todo, el efecto que provoca en los niños. ¡Incluso algunos pediatras recomiendan ver a la Doctora para sacarle el miedo a los chicos de ir al médico!
Siempre me ocurre que termino queriendo mucho a mis personajes. Uno trabaja con ellos desde muy de cerca y te conquistan.

¿Cuál es el mayor desafío al momento de unificar criterios en cuanto al uso del castellano neutro para Latinoamérica?
S: El mayor desafío en estos casos es, por un lado, lograr que se entienda la frase en todo el territorio, en todos y cada uno de los países de Latinoamérica, manteniendo la frescura y sin quedar formal ni anticuado.
N: Lo más difícil es conservar el carácter «neutral» del lenguaje porque cada país desliza su impronta en cada traducción/adaptación. El lenguaje «habla» de su hablante, reproduce su identidad y deja su huella. Por eso se dice que el castellano neutro perfecto no existe. De todas formas, entre los países latinoamericanos hacemos el esfuerzo para tratar de entendernos y así sostener esta conversión de la lengua que nos beneficia a todos. Por ejemplo, nosotros no usamos la palabra «fresa», pero aceptamos las reglas del juego y le damos el significado que corresponde.

¿Creen que se le hace difícil a un actor de doblaje despegarse de los manerismos propios de un personaje que realiza por un tiempo muy prolongado?
N: En realidad, como se trata de un actor, eso no debería ocurrir porque cada personaje es muy distinto a otro. Algo para tener en cuenta es que la voz es el resultado de la personalidad de nuestro personaje, es el producto de la composición y caracterización. No se dice «Voy a poner voz de nene» sino que hay que pensar en el personaje al cual le vamos a dar vida, su esencia, su forma de ser, como puede reírse, como puede llorar, etc. y la voz se va dando naturalmente. Es una búsqueda muy interesante porque hay que recurrir mucho al instinto y sensibilidad del actor para poder detectar esos detalles característicos que son propios de un personaje y le dan vida.

Natalia: ¿Cuál es el mayor desafío a la hora de doblar animé?
N: El animé es un género que particularmente me atrae mucho, pero a la vez está revestido de mucha complejidad. Disfruto mucho doblarlo porque me encantan los desafíos. Por un lado, tenemos caras de personas reales, por lo que las bocas están bien definidas y requieren una sincronización más ajustada. Y por otro lado, y lo más importante, es que tenemos la actuación, donde los personajes, en general, son de carácter fuerte, de mucha personalidad y, por lo tanto, requieren que nuestro decir sea bien certero. Por momentos hasta se apela a la sobreactuación. Se suelen ver muchos efectos visuales y de sonido, y si uno no acompaña todo eso con la voz, queda como un personaje tibio, sin energía ni vivacidad.

¿Qué dificultades enfrentan si hay un cambio en el casting original de una serie? ¿Les ocurrió que el público reclame en esos casos?
S: Generalmente en el caso de los actores, se busca un match del actor en la versión original En el caso de reemplazar muchas veces, hay que regrabar todo o buscarle un match al doblajista. Es un gran desafío para el director ya que tiene que lograr una interpretación similar.

¿Deben realizar adaptaciones del contenido que se emite en el cine al llevarlo a la TV?
S: En general se trata del mismo material, se cuida un poco más el lipsync cuando es una película para cine por el tamaño de la pantalla.
N: Cuando sabemos que un producto será emitido en cine, todo se cuida mucho más. La actuación, la sincronización, las expresiones, el casting de voces. En muchos productos que son solo para TV, no se hace adaptación de texto; solo traducción para abaratar costos y tiempos.
En cine, sí se adapta el texto. Se puede convocar a un director especial para el proyecto y se prevé que llevará más tiempo para sostener la calidad del doblaje hasta el final.

¿Pueden contarnos alguna anécdota divertida de alguno de sus trabajos?
S: Bueno, hay muchas anécdotas, una que recuerdo y no es larga de contar es que, en una serie de Marvel, en los primeros episodios apareció un personaje X que, en el episodio 10, ¡resultó ser mujer! En inglés no estaba definido el género y creíamos que era hombre.
N: Voy a grabar Metegol con Campanella. Lo normal es llegar a un estudio de grabación, que te den el guion y grabar. En cambio, cuando llego al lugar, estaban todos de joggins y descalzos. En vez de ser un estudio de grabación, lo prepararon como si fuera un set de TV, o sea que las escenas iban a ser actuadas de verdad. Y como si fuera poco, un productor se me acerca y me dice: «¿Te aprendiste la letra, no?» y yo dije: «¿¡Qué!? ¿Es una broma? ¡Nooo!». Y Campanella dice: «¿Listos para grabar? ¡Acción!».

Sandra, ¿se tiene un cuidado especial en el lenguaje utilizado en los contenidos dirigidos a niños muy pequeños?
S: Yo siempre uso un lenguaje simple y directo en programas para niños muy pequeños, y trato de inculcar eso en el grupo que trabaja conmigo.

Sandra, ¿qué se debe tener en cuenta al traducir un producto tan masivo como High School Musical?
S: En realidad, cuando hicieron HSM 1, ni los realizadores sabían que iba a tratarse de un éxito tan importante. Se tuvo que cuidar mucho la continuidad y mantener el lenguaje y frases utilizadas por cada personaje.